A prima vista, le immagini di candele di Gerhard Richter possono sembrare fotografia sfocate. Ma in realtà, sono dettagliati dipinti creati con mano sicura e maestria, capaci di ricreare l’effetto di una fotografia scattata leggermente fuori fuoco. Le candele di Richter – un tema che in passato ha raggiunto valori di vendita superiori ai 13 milioni di dollari, come nel caso dell’opera Kerze nel 2011 – rappresentano un precario equilibrio tra realtà e illusione, oggettività e soggettività. E non è un caso: l’artista ha trascorso la sua giovinezza in Germania dell’Est, in bilico tra l’Europa capitalista e la Russia comunista.
Richter, nato nel 1932 a Dresda, sette anni prima dell’inizio della Seconda Guerra Mondiale, cominciò a disegnare all’età di 15 anni e frequentò l’accademia d’arte nella Germania dell’Est, dove la sua formazione fu influenzata dal Realismo Socialista, il movimento artistico che promuoveva l’ideologia del Partito Comunista.
Nonostante i suoi progetti iniziali – incluso un murale per il Deutsches Hygienemuseum – fossero ben accolti, Richter si trovò insoddisfatto del Realismo Socialista, che a suo avviso soffocava la creatività artistica. Critico anche del capitalismo e del consumismo, Richter trascorse la sua adolescenza alla ricerca di una terza via, un’espressione artistica libera da vincoli ideologici.
Questo nuovo percorso si aprì a lui dopo essersi trasferito in Germania Ovest. Qui incontrò l’opera astratta di Jackson Pollock e Lucio Fontana e strinse amicizia con i pittori tedeschi Sigmar Polke, Blinky Palermo e Konrad Fischer. E fu qui che, prendendo in prestito il rigore del Realismo Socialista e applicandolo alla società occidentale, Richter iniziò a produrre quadri e fotografie che riflettevano sulla quotidianità, sugli eventi attuali e sulla cultura popolare, facendo delle televisioni, della pubblicità e della figura del politico alcuni dei suoi principali soggetti.
Richter, tuttavia, non si fermò alle opere astratte e intraprese un nuovo corso stilistico, culminando nella creazione di dipinti fotorealistici. Il suo scopo era di riuscire a catturare con il pennello quello che già riusciva a ottenere con la fotocamera: ritrarre la realtà senza l’impronta del pregiudizio storico o personale.
Fu in questo periodo che emersero due nuovi soggetti prediletti da Richter, entrambi ispirati ai quadri vanitas del sedicesimo e diciassettesimo secolo: i teschi e le candele. Le candele sono diventate un elemento particolarmente significativo nell’opera di Richter. Tanto che l’artista tedesco e storico dell’arte Hubertus Butin ha sostenuto che nessun altro soggetto ha generato un’attrazione così viscerale. Come lo stesso Richter spiegò in una raccolta di scritti, interviste e lettere, “Le candele sono sempre state un simbolo importante [per la Germania dell’Est], come protesta silenziosa contro il regime… Quando dipingevo, non avevo né questa chiara intenzione né volevo farne una sorta di ritratto di strada. È come se fosse sfuggita al mio controllo, diventando qualcosa su cui non avevo più potere.”
Sebbene il conflitto non fosse nella mente dell’artista mentre dipingeva le sue candele, Richter ammise: “Ho sperimentato sentimenti legati alla contemplazione, al ricordo, al silenzio e alla morte.”
La grande popolarità dei dipinti di Richter potrebbe essere parzialmente attribuita a una collaborazione del 1988 con la band americana Sonic Youth, che utilizzò un dipinto del 1983 come copertina per il loro album Daydream Nation. Da allora, la fiamma non si è mai spenta.
Gli artisti spesso traggono ispirazione dalle vite delle persone, dai fatti storici o dai paesaggi circostanti. Perché Mary Cassatt ha ritratto tante madri? Perché Jackson Pollock dipingeva a terra? Eureka indaga le origini delle opere e delle tecniche più famose degli artisti, svelando come nascono le grandi idee artistiche.
In conclusione, l’opera di Gerhard Richter è un’affascinante fusione di realismo e astrazione, un unicum di talento e genialità. Le sue candele non sono solo esteticamente belle, ma sono cariche di un profondo simbolismo che riflette alla perfezione lo spirito contraddittorio del tempo in cui l’artista viveva e lavorava.
