L’anno 1914 fu particolarmente burrascoso per Claude Monet. La morte dell’amata moglie, i problemi visivi causati dalle cataratte, il tormento incessante di un mal di denti e una Europa precipitata nella guerra offuscarono l’ispirazione del pittore impressionista. Presto, il suo unico figlio sarebbe stato inviato al fronte e le sue principali necessità, come le sigarette e il carbone, divennero una rarità. Tuttavia, si rintanò nel suo rifugio a Giverny, un villaggio a 50 miglia da Parigi, e continuò l’arduo compito che aveva intrapreso per gran parte dei due decenni precedenti: dipingere le ninfee.
Il suo ultimo ciclo di dipinti delle ninfee divenne un colossale capolavoro di 300 piedi di tela che rappresenta l’evolversi del giorno, dall’alba al tramonto. Seguendo la morte di Monet nel 1928, Les Nymphéas, come venne intitolata l’opera, fu donata allo stato francese e divenne l’emblema dell’ultimo periodo dell’Impressionismo.
Monet acquistò la casa a due piani a Giverny nel 1890, trasformando l’adiacente frutteto in un giardino d’acqua, ormai emblematico del suo nome. Ciò richiese lo scavo di un bacino e la deviazione del fiume Ru sulla sua proprietà con l’aiuto di operai locali. Per la flora dello stagno, si servì dell’assistenza di un vivaio specializzato, importando piante esotiche dal Sud America e dall’Egitto.
Sebbene oggi il giardino fiorito di Monet venga visto come l’ideale bucolico della campagna francese, in realtà era un’opera d’arte attentamente costruita, in cui l’artista combinava elementi delle tradizioni orticole inglesi, francesi, olandesi e giapponesi.
Monet sembrava trovare una particolare attrazione per le ninfee, che divennero il fulcro dei suoi quadri. Ma qual era la ragione di questa ossessione? Compresi nella tranquillità del dipinto, questi fiori d’acqua potevano rappresentare un simbolo potente di rinascita e di purezza, aspetti che potrebbero avere risuonato con Monet durante quel difficile periodo della sua vita.
Al di là di questo, le ninfee erano un mezzo eccellente per esplorare la sua preoccupazione primaria come pittore: la luce. Monet osservava come la luce cambiava approssimativamente ogni sette minuti a Giverny, offrendogli un’infinità di opportunità per catturare l’essenza effimera di un momento sul suo telaio.
Per oltre tre decenni, Monet era stato un paladino della pittura en plein air, in cui dipingeva all’esterno per catturare l’essenza di fienili, fanciulle con cappelli e paesaggi marini velati. Ora, a Giverny, Monet poteva portare il mondo a sé.
Dal 1890 al 1927, Monet creò più di 250 dipinti delle ninfee. Aveva trovato il suo soggetto e non sentì la necessità di cercarne un altro. Come dichiarò lo stesso Monet in un’intervista, “i fiori d’acqua sono solo un accompagnamento”. Il vero soggetto era quella cosa sfuggente e sempre fluida chiamata luce.
Il suo “Grande Decoration”, come Monet chiamava i suoi dipinti che ricoprivano intere pareti, iniziato nel 1914, andò ancora oltre. Lavorò su di essi fino alla sua morte, stratificando colore su colore in una serie così sfocata, marmorizzata, innovativa da essere vista, con il tempo, come un punto di partenza per le astrazioni di Jackson Pollock e Mark Rothko.
Così, le ossessioni di Monet per le ninfee rappresentano molto più di una fissa ideale per la bellezza botanica. Rappresentano il pittore alla ricerca della verità e della luce, trascendendo la materialità dell’oggetto per toccare l’essenza mercuriale del tempo e dello spazio.
