In un sistema che premia spesso l’immediatezza, la riconoscibilità istantanea e la velocità della fruizione, lavori come quello di Chung Eun-Mo procedono in direzione radicalmente opposta. Le pitture geometriche dell’artista, costruite attraverso campiture cromatiche nette e forme sospese tra astrazione e spazio mentale, richiedono una cosa sempre più rara: tempo. Nata in Corea del Sud e attiva tra New York e l’Italia – dove ha vissuto a lungo tra Roma, l’Umbria e oggi a Milano – Chung Eun-Mo sviluppa da decenni una ricerca coerente che intreccia minimalismo, memoria storica e processo intuitivo. La precisione che la caratterizza, però, non è mai solo un esercizio decorativo o puro rigore compositivo, quanto piuttosto un dispositivo per attivare la percezione, per entrare in contatto con l’opera.
Nel suo studio milanese, luminoso e calmo, l’artista racconta che ogni opera nasce anzitutto da una domanda. «Prima di cominciare è per me fondamentale avere un interrogativo da pormi», spiega. «È quella domanda iniziale, più che un’immagine precisa, ad avviare il processo. Il dipinto prende forma da un’idea, ma evolve durante il lavoro, spesso in direzioni inattese». Chung parla della pittura come di un procedimento di addizione: campi di colore che si sovrappongono, si correggono, si trasformano. Il disegno preparatorio esiste, lo prepara lei a matita, ma è solo un punto di partenza. «Anche un piccolo dettaglio può cambiare completamente l’opera», osserva, e mostra come una piccola linea verde tra due toni caldi e aranciati abbia modificato del tutto uno dei suoi lavori più recenti. È una pratica che esprime controllo ma non rigidità; le sue composizioni appaiono misurate senza mai risultare fredde. In questo senso la precisione geometrica convive con una componente di rischio e sorpresa: «Dipingere è sempre una sorpresa. Alcuni lavori si risolvono rapidamente, altri richiedono settimane o mesi; ogni quadro ha un proprio ritmo interno, una propria temporalità».
Proprio il tempo è uno dei nuclei più interessanti di questo lavoro. Nella definizione di “sguardo lento“, usata per descrivere il rapporto tra le sue opere e l’osservatore, l’artista si ritrova completamente e, più che nella contemplazione, riconosce nella pazienza e nell’attenzione due condizioni essenziali dell’esperienza artistica. Secondo Chung Eun-Mo, uno dei problemi contemporanei non è solo legato alla fretta, ma a una più profonda incapacità di sostare davanti alle cose: «è come se ci si dovesse proteggere da ciò che non si comprende mantenendolo a distanza, evitando il tempo necessario per attraversarlo davvero».
Il risultato è che molte opere vengono consumate come immagini, non vissute come esperienze. «All’arte bisogna dare tempo», insiste, «non per essere decifrata correttamente, ma per permettere a essa di comunicare con noi». L’interpretazione, seguendo questa visione, non deve mai essere guidata in modo precostituito: un’opera va lasciata aperta, disponibile all’esperienza individuale. Se esiste una dimensione universale della percezione – un repertorio comune di sensazioni umane – ogni osservatore porta poi nell’opera il proprio vissuto, le proprie memorie, la propria soggettività.
È un’idea che trova eco anche nelle parole della gallerista Monica De Cardenas, che rappresenta l’artista e che le ha già dedicato diverse mostre, la quale osserva come anche l’esperienza di visita ai musei sia diventata spesso superficiale e accelerata. Fermarsi davvero davanti a un’opera, chiedersi che cosa si stia vedendo e che cosa stia suscitando in noi, è ormai un gesto saltuario e prezioso.Prima di dedicarsi pienamente alla pittura, Chung ha lavorato anche con il tessile, realizzando arazzi e composizioni all’uncinetto. Una scelta nata inizialmente da ragioni pratiche – evitare odori e materiali potenzialmente nocivi quando suo figlio era piccolo – ma che già conteneva il vocabolario formale della sua ricerca: ritmo, modularità, struttura, geometria.
Il medium è cambiato, ma l’immaginario è rimasto del tutto coerente. Oggi quella stessa attenzione alla costruzione si manifesta in dipinti che sembrano evocare spazi riconoscibili ma impossibili da collocare, strutture che si sottraggono tanto alla figurazione quanto all’astrazione pura. In esse la pittura non è solo superficie, ma spazio da attraversare lentamente con lo sguardo. In un’epoca che chiede al mondo di essere immediatamente leggibile, Chung Eun-Mo continua a difendere la possibilità di un’immagine che non si esaurisce al primo sguardo, una pittura che non cerca di spiegarsi, ma di restare aperta abbastanza a lungo da lasciare emergere la propria natura.
