“Dovevo fare fronte al fatto che non c’erano persone come me nel settore”, afferma Michelle McGrath, che ha maturato oltre un decennio di esperienza presso organizzazioni di prestigio come il British Museum e i Royal Museums Greenwich. “Ovviamente esistono barriere economiche” – continua – “ma c’è anche un’infinità di modi in cui ci si può sentire fuori posto come lavoratore della classe operaia, soprattutto nel Regno Unito, dove la distinzione di classe è ancora fortemente radicata e misurata da molti più indicatori rispetto al semplice reddito. La gente presume che tu abbia avuto le stesse esperienze. Pensano che tu sia andato in vacanza da bambino quando, in realtà, non l’hai fatto.”
Rimane un fatto: McGrath desiderava una propria comunità.
Per questo motivo, nel 2018 ha fondato la rete di supporto Museum As Muck – un gioco di parole applicato al termine denigratorio “comune come il fango”, usato spesso per riferirsi alle persone di classe lavoratrice. Questa iniziativa, una delle prime con l’obiettivo esplicito di supportare i professionisti delle arti provenienti da un background socio-economico più basso, vanta oggi oltre 700 membri e offre un programma di eventi sociali e opportunità di formazione professionale, oltre a laboratori di formazione e consulenze di assunzione per organizzazioni esterne.
Negli ultimi anni, la voce di McGrath è diventata una tra tante. “Questo settore può far sentire isolati coloro che non sentono di avere particolari connessioni, un accento specifico o un background educativo adeguato”, afferma Meg Molloy, responsabile delle comunicazioni alla Stephen Friedman Gallery. Proprio il mese scorso, ha lanciato il Working Arts Club, una rete simile per professionisti del settore artistico.
Il mondo dell’arte può dichiarare il proprio interesse nel migliorare la rappresentanza di gruppi storicamente marginalizzati, ma il settore è alle prese anche con tagli continui dei fondi pubblici e, di recente, con un mercato incerto. Stipendi e sicurezza lavorativa hanno risentito di tale situazione, rendendo l’industria meno attraente per coloro che non dispongono di un ammortizzatore finanziario.
Uno studio del 2022 ha rivelato che solo l’8% dei lavoratori creativi nel Regno Unito si identifica come appartenente alla classe operaia, un dato dimezzato rispetto al 16% registrato tra il 1953 e il 1962, un periodo legato a visioni nettamente più regressive sulla questione delle classi sociali. Ma una nuova ondata di iniziative è stata messa in piedi per combattere l’elitarismo nel mondo dell’arte. Riusciranno a portare quel cambiamento tanto necessario?
La presentazione del Working Arts Club ha fatto molto scalpore, e finora quasi 600 persone si sono iscritte alla mailing list. Tra le ambizioni del club, c’è un dibattito in programma per fine mese presso Christie’s che vedrà protagonisti rinomati galleristi e specialisti d’asta di estrazione operaia, come Ell Pennick, fondatrice della Guts Gallery, e Michelle McMullan, direttrice presso Christie’s.
Attraverso eventi come questi, Molloy ha dichiarato che il club spera di migliorare “la visibilità dei professionisti di classe operaia”, nonché di offrire spazi per una rete di contatti professionale, troppo spesso riservata a persone già ben introdotte nel settore.
Sottomettendo questi obiettivi più concreti, tuttavia, c’è il desiderio di una maggiore solidarietà. “È importante sentirsi abbastanza a proprio agio per parlare delle proprie passioni e delle esperienze con cui ci si può identificare”, ha affermato Molloy. “Uno dei nostri principali obiettivi è semplicemente quello di fare in modo che le persone si ritrovino”.
Anche il New Curators, un programma di formazione di 12 mesi appositamente rivolto ai curatori provenienti da background socio-economici più bassi, mira a offrire un punto di partenza cruciale. Il suo primo gruppo di 11 borsisti, tra cui candidati provenienti da Cuba, Ghana, India e Slovacchia, è stato annunciato l’autunno scorso e ha già collaborato alla prima mostra istituzionale nel Regno Unito dell’artista dominicana americana Firelei Báez presso la South London Gallery (la mostra sarà aperta fino all’8 settembre).
Il programma, coordinato dal co-direttore fondatore Kerryn Greenberg – che ha trascorso oltre un decennio lavorando come curatore alla Tate – è nato dalla “profonda frustrazione per la mancanza di diversità all’interno dei dipartimenti curatoriali”. Le poche opportunità di formazione, come gli stage presso i musei, erano generalmente non strutturate e si svolgevano in ambienti altamente stressanti. “L’esperienza individuale dipende molto dal momento in cui una persona arriva, quanto tempo rimane, quanto è sovraccaricata la persona con cui lavora, ecc”, ha spiegato.
I laureati in storia dell’arte o nei corsi di curatela hanno di solito una solida base accademica, ma spesso mancano opportunità chiare e strutturate per sviluppare la loro esperienza pratica. Con questa iniziativa, Greenberg spera di contribuire a colmare questo divario, aiutando a forgiare la prossima generazione di leader nel campo della curatela.
L’elitarismo nel mondo dell’arte non è un problema esclusivo del Regno Unito, e le iniziativi di McGrath, Molloy e Greenberg costituiscono importanti passi in avanti verso un maggior senso di inclusione e diversità in questo settore. Aumentare la rappresentanza delle classi lavoratrici nell’arte non è una questione di generosità, ma di dovere: l’arte, dopo tutto, dovrebbe rappresentare tutte le sfumature della condizione umana, e non può farlo se gli unici attori in grado di farla progredire provengono da un unico, ristretto strato sociale.
Solo aprendo il campo a un insieme più ampio di esperienze e voci potremo arricchire il mondo dell’arte e, in ultima analisi, realizzare appieno il suo potenziale di parlare a tutti noi. E magari, riuscire a invertire la rotta elitaria che sembra aver preso in quest’ultimo mezzo secolo.
