Periodicamente, arriva all’improvviso nella mia mente un’immagine ravvicinata di un sorridente Ed Sheeran, risvegliandomi alla consapevolezza. Non seguo particolarmente la musica di Sheeran, quindi non dedico molto tempo a pensare a lui. Rifletto molto, invece, su quella foto, che in realtà è un dipinto: una tela quadrata di due metri per due, opera di Jana Euler, dove il viso di Sheeran è pressato scomodamente vicino all’osservatore, con la sua barba rossiccia e i sognanti occhi azzurri che sembrano deformarsi leggermente.
Il titolo dell’opera, “Shape of Painting, Summer Hit 2017”, rimanda non solo alla celebre canzone di Sheeran del 2017 “Shape of You”, ma anche all’inclusione di questa stravagante opera d’arte nella Summer Group Show del 2018 intitolata “Painting, Now and Forever, Part III”. Co-organizzata nel 2018 da Greene Naftali e Matthew Marks Gallery a New York, l’esposizione, incentrata sul medium della pittura, arrivava proprio mentre la pittura tornava in auge. Il Zombie Formalism, un movimento informale che vedeva i suoi esponenti produrre astrattismi appetibili sul mercato, aveva recentemente stimolato alcuni critici a proclamare la morte della pittura. I due galleristi allora, sfidavano i detrattori con una serie di tele astratte e figurative. Entro due anni, opere figurative come quella di Euler appariranno in quasi tutte le gallerie newyorchesi. Al momento, quelle opere erano visioni rare.
Guardando indietro, “Painting, Now and Forever, Part III”, sembrava così fuori moda sei anni fa che ancora oggi ci rifletto. Mi torna in mente perché durante l’estate appena trascorsa a New York, simili allestimenti coraggiosi, concentrati su sviluppi artistici strani e nuovi, erano pochi. E “Painting, Now and Forever” non era l’unica mostra di quel tipo in quella stagione; come in molti altri anni, una serie di mostre che stimolavano il pensiero hanno aiutato a spostare l’ago in avanti. Ma quest’anno, un gruppo di tristi mostre collettive sembrava confermare che un mercato instabile genera presentazioni sicure di arte prevalentemente dimenticabile.
Prendiamo in considerazione l’offerta di quest’anno di Greene Naftali: “On Landscape”, un banale insieme di dipinti di campi soleggiati e alberi frondosi che non avevano il fascino di “Painting, Now and Forever, Part III”. “On Landscape” aveva messo insieme alcune belle opere storiche, tra cui un piccolo acquerello del 1920 di Albert Burchfield che raffigurava un sole cocente che batteva sull’erba sottostante. C’erano anche alcune opere d’arte contemporanee di un certo charme, tra cui vedute pennellate cortesia di Brett Goodroad e meditazioni meta sul genere cortesia di Thiago Hattnher, un giovane artista che dipinge pareti pallide appese con paesaggi. Ma nel complesso, ne sono uscito senza una nuova comprensione di cosa rende un paesaggio interessante.
I colleghi di Greene Naftali hanno anch’essi scelto la strada sicura, organizzando mostre vaghe e sfocate incentrate su motivi e medium. A due isolati di distanza, Luhring Augustine stava mostrando “Patterns”, un banale spotlight su opere d’arte basate sulla ripetizione di motivi. L’impostazione, fin dall’inizio poco consistente, veniva allungata oltre i limiti dalla grandezza della mostra, che copriva non solo la grande galleria di Chelsea di Luhring Augustine, ma anche quella di Tribeca. A Chelsea, c’era una tela modellata di Frank Stella degli anni ’60, un vasto murale di piastrelle dell’artista brasiliano Athos Bulção e un effervescente pezzo di denim di Loretta Pettway Bennett, una quilter di Gee’s Bend ora ottantenne. Quante somiglianze c’erano tra queste opere, davvero? Non molte, secondo il mio metro di misura. Il paragone sciocco non rendeva giustizia ad alcuna delle opere.
Downtown, la Andrew Kreps Gallery ha organizzato “Eighteen Painters”, una selezione dispersa di artisti emergenti che avevano quasi nulla in comune, a parte il medium scelto. Ciò ha avuto l’effetto contrario di appiattire molte opere d’arte che forse avrebbero reso meglio da sole. Neanche un’autoritratto sorprendente di Nash Glynn, che mostra l’artista in piedi in un campo aperto, un recipiente pieno d’acqua che oscura i suoi genitali nudi, si distingueva qui.
Forse ancora più indicativo, tuttavia, era il numero di gallerie che hanno scelto di non organizzare una mostra collettiva estiva. Matthew Marks, il co-organizzatore di “Painting, Now and Forever”, ha chiuso al pubblico due dei suoi tre spazi a Chelsea quest’estate. Il terzo spazio rimaneva aperto, ma non c’era un’opera d’arte da vedere, dato che era in corso una vendita di libri al posto di una mostra.
Anche i giganti delle gallerie hanno in gran parte rinunciato. La Pace Gallery e Hauser & Wirth hanno mantenuto le loro mostre personali di maggio aperte per un periodo più lungo che si protrudeva nell’estate. David Zwirner ha tecnicamente presentato una mostra collettiva, ma era solo un’altra edizione della sua mostra annuale di arte del personale della galleria, ed è durata meno di un mese.
Nel senso più stretto, Gagosian ha presentato una mostra con più artisti: “Icons from Half a Century of Art”, il cui nome anodino nascondeva il valore puro di ciò che era in mostra. Accanto a pezzi di Cy Twombly, Richard Serra, Gerhard Richter e Jean-Michel Basquiat, c’era presumibilmente un dipinto di Andy Warhol raffigurante Mao Zedong, valutato più di 100 milioni di dollari. La mostra rimane aperta fino a novembre, ma a differenza di quasi tutto il resto a Chelsea, è aperta solo su appuntamento. Io non posso vederla, e probabilmente neanche tu, a meno che tu non sia un collezionista con le tasche piene. Buona fortuna nell’entrare.
Da anni, molti mercanti d’arte utilizzano le estati per tentare cose nuove e rischiose alla ricerca di nuovi talenti o per esplorare argomenti sottovalutati. Mentre la stagione delle mostre estive di gruppo a New York sta diventando un’esperienza dimenticabile, mi chiedo se questa tendenza sia un riflesso dei tempi moderni e dell’inconcludenza del mercato artistico attuale. Il campo dell’arte è in costante evoluzione, e ciò che prima entusiasmava e stimolava, adesso rischia di diventare obsoleto. Ma spero che l’innovazione e la creatività possano trovare un modo per risorgere e rivitalizzare queste mostre, prima che diventino davvero una specie in via di estinzione.
